La revolución de la iluminación en el cine: de los focos incandescentes a los LED

Hacer cine en los primeros años del siglo XXI implicaba cargar con equipos pesados y peligrosos. Los estudiantes de cine, especialmente en los primeros cursos, se enfrentaban a una realidad poco glamurosa: transportar luces incandescentes en maletas Pelican hasta sets improvisados en cocinas o proyectos de bajo presupuesto. Estas luces, además de ser extremadamente pesadas, convertían cualquier espacio en un horno y presentaban riesgos eléctricos que hoy serían impensables.

El cableado de la época oscilaba entre lo precario y lo ilegal. Los estudiantes debían usar guantes gruesos para evitar quemaduras, pero incluso así, el contacto con las bombillas podía causar explosiones debido al aceite de las manos. Las opciones económicas, como las luces Lowell —que parecían hechas de alambre de gallinero—, contrastaban con los modelos profesionales Arri, más accesibles para quienes tenían presupuesto. Sin embargo, incluso estos últimos seguían siendo un desafío logístico.

Una parte significativa de las clases de cinematografía se dedicaba a enseñar a futuros cineastas —muchos sin experiencia previa en trabajos manuales— cuántas luces podía soportar un circuito de 15 amperios antes de fundir un fusible. Esta formación práctica, aunque rudimentaria, resultó ser una de las más útiles para mi carrera posterior, especialmente en proyectos que requerían manipular instalaciones eléctricas.

Con el tiempo, la llegada de los Kino Flos, unas estructuras de tubos fluorescentes inspiradas en la película Barfly (1987), revolucionó los sets independientes. Estas luces, más ligeras y menos agresivas, evitaban problemas de hernia en estudiantes de veintitantos años. Aunque no ofrecían la misma intensidad que los focos de tungsteno o HMIs, su practicidad las hizo populares. Poco después, los Litepanels y la tecnología LED comenzaron a ganar terreno, marcando un antes y después en la industria.

Sin embargo, los focos tradicionales no desaparecieron. Los modelos potentes como los 12K o 18K siguen siendo indispensables en producciones profesionales, ya que replicar la calidad de luz de un filamento al rojo vivo es extremadamente difícil con tecnología LED. Aunque equipos como el Diva Kit ofrecían mayor portabilidad, no podían competir en potencia. Hoy, incluso Kino Flo ha migrado casi por completo a la tecnología LED, aunque sus primeros modelos eran caros y pesados.

En mis primeros veinte años, trabajé como freelance en un sector que hoy parece prehistórico. El término “predator” —mezcla de “productor” y “editor”— definía a un profesional todoterreno en el mundo del vídeo. Antes de que las cámaras DSLR y los móviles revolucionaran el mercado, era posible ganarse la vida con trabajos esporádicos si se contaba con una cámara decente y una luz incorporada. Yo tenía una Panasonic AG-HVX200, comprada con mis ahorros, y una luz panel montada en la cámara que costaba entre 800 y 1.000 dólares. Su luz cegadora y poco favorecedora daba a las escenas un aspecto similar al de Cops, pero en su momento era la mejor opción disponible.

La evolución de la iluminación en el cine ha sido constante, desde los riesgos de los focos incandescentes hasta la eficiencia de los LED. Aunque hoy existen soluciones más seguras y ligeras, el legado de aquellos equipos sigue vivo en la formación de nuevos cineastas, recordándonos que, a veces, los avances tecnológicos no borran por completo el pasado.